2019 Transiciones III
  • Tema y comisaria

     

     

     

    Transiciones III
    Post Homo Sapiens: Programando el Futuro

    La 13ª edición de GETXOPHOTO Festival Internacional de Imagen abordará los desafíos que enfrentan los individuos en un presente donde los procesos de aceleración, automatización, inteligencia artificial y avances científico-tecnológicos están planteando nuevos retos a medida que nos acercamos cada vez más al concepto de transhumanismo.

    En este último capítulo de la trilogía Transiciones titulado Post Homo Sapiens. Programando el futuro, la obra de 20 artistas internacionales explorará diversas teorías emergentes. Los proyectos son el resultado de patrones cambiantes del compromiso social, los comportamientos individuales, la inteligencia artificial y las tendencias globales surgidas a partir de los avances tecnológicos en la era digital. Asimismo, tienen en cuenta cuestionamientos y desafíos éticos relacionados con los valores y las estructuras humanas tradicionales.

    Muchos de los proyectos presentados exploran la mejora de la condición humana a través de la educación y el desarrollo cultural, conceptos considerados tanto en la filosofía de Nietzsche sobre el Übermensch o Superhombre, como los ideales del posthumanismo según el movimiento transhumanista. También se considerará el papel que juegan algunas tecnologías avanzadas en la formación de la humanidad futura, atendiendo tanto a su vasto potencial para mejorar la sociedad como a los riesgos asociados que pueden acarrear.

    Según el destacado estudioso transhumanista Nick Bostrom, tanto la visión de Nietzsche sobre el Superhombre como el transhumanismo comparten la creencia de que los seres humanos y la naturaleza están permanentemente experimentando algún cambio o, en otras palabras, están “en proceso”. Compartiendo el pensamiento humanista secular –que apuesta por la mejora de la naturaleza humana a partir de la educación, el refinamiento cultural, la investigación filosófica y el auto escrutinio ético–, el transhumanismo va más allá apoyándose en la esperanzadora idea de que mediante el uso responsable de la medicina, la ciencia y ciertas tecnologías –como la ingeniería genética, la tecnología de la información y la inteligencia artificial–, podremos superar las limitaciones biológicas fundamentales. Gracias a esto, el ser posthumano, con su ilimitado potencial, podrá existir.

    Además, el transhumanismo afirma que esta superación de las limitaciones humanas es necesaria para construir una sociedad mejor. En términos pragmáticos e inmediatos, esto se traduce en la erradicación de enfermedades, la eliminación del sufrimiento innecesario o el aumento de las capacidades intelectuales, físicas y emocionales. Cabe destacar que Nietzsche también abrazó el sentido de un significado propio fuera de las tradiciones religiosas.

    En las obras H+ de Matthieu Gafsou, One of Them is a Human de Maija Tammi y Cyborg’s Life de Neil Harbisson –el primer cíborg oficialmente reconocido–, los artistas comparten el objetivo de desentrañar y explorar algunos aspectos éticos que rodean a las ideas posthumanas en el marco de la ideología transhumanista. Teniendo en cuenta los avances médicos con el objetivo de mejorar las condiciones vitales y considerando el significado del ser humano, Reiner Riedler explora en su trabajo las formas de humanismo en las máquinas.

    El pensamiento transhumanista considera esencial el concepto de acceso –compartido e igualitario– a la tecnología con el objetivo de ampliar sus beneficios para la sociedad. La plena realización del principal valor de este movimiento requeriría que, idealmente, todos pudiéramos tener la oportunidad de convertirnos en posthumanos. Sería deplorable que esta opción quedara  restringida a una pequeña élite. Sin embargo, la economía de libre mercado y la rápida comercialización de las herramientas tecnológicas están creando un desigual acceso a los últimos adelantos. En su proyecto Héroes del brillo, Federico Estol desafía los estereotipos sobre el valor humano y el miedo a la discriminación social. Y en Boda Boda Madness el artista Jan Hoek, en colaboración con el estilista Bobbin Case, indaga en el héroe cotidiano y en su creatividad innata para adaptarse y afrontar los desafíos del día a día.

    El progreso tecnológico es deseado no sólo por los transhumanistas sino por toda la sociedad en su conjunto. La historia del desarrollo tecnológico ha contribuido a la acumulación de mejoras y ha liberado a grandes poblaciones del analfabetismo, las cortas expectativas de vida, las alarmantes tasas de mortalidad infantil, las horribles enfermedades sufridas sin cuidados paliativos, las hambrunas y la escasez de agua. Sin embargo, estos indiscutibles logros no deberían impedirnos cuestionar determinados aspectos éticos que podrían surgir de futuros desarrollos posibles que, en nombre del progreso, podrían amenazar algunos de nuestros valores.

    Debido a algunos sucesos como el escándalo de Cambridge Analytica, donde compañías digitales han ocultado información sobre la recolección de datos y la influencia no regulada en el proceso democrático, la inteligencia artificial y el aprendizaje automático requieren de una investigación más profunda. Si consideramos que todo lo que valoramos se basa en nuestra inteligencia, y si pudiéramos tener acceso a toda esa inteligencia colectiva, el extraordinario potencial y las posibilidades de la inteligencia artificial serían ilimitadas. Sin embargo, crear algo aún más inteligente que nuestra propia especie acarrea riesgos a largo plazo, y sucede lo mismo a corto plazo en cuanto a la creación de estructuras de influencia no reguladas y testadas.

    La práctica artística de Haley Morris-Cafiero en The Bully Pulpit reflexiona sobre cuestiones relacionadas con el cuerpo femenino, el ciberacoso y el papel de las redes sociales. Por otro lado, Claudia Gori en The Sentinels aborda el tema de la electrosensibilidad, una enfermedad todavía no reconocida oficialmente causada por la exposición a campos electromagnéticos de alta frecuencia.

    A menudo se culpa a la era digital de propiciar un mayor aislamiento; las redes sociales se citan, frecuentemente, como plataformas diseñadas para conectar el mundo pero, de alguna manera, todos nos sentimos menos comprometidos con el resto de personas que habitan el planeta. Follower, de la artista digital Lauren McCarthy, reflexiona sobre el tema de la conectividad social y el aislamiento mediante el uso de la tecnología y las redes sociales.

    Indagando aún más en la noción del mundo moderno y la tensión entre la era digital y el mundo natural, el artista Marcos Zegers, en Agua minería y éxodo, viaja a través del desierto de Atacama y sus ricas minas de sal de litio para reflexionar sobre las consecuencias ambientales y paisajísticas de su extracción. En una línea similar, el poético trabajo de Masamichi Kagaya y Satoshi Mori, Autoradiograph, captura las partículas radiactivas de Fukushima. Por su parte, el colectivo artístico Ritual Inhabitual formado por Florencia Grisanti, Tito González García y el comisario Sergio Valenzuela Escobedo, aborda dos mundos en conflicto: la antigua cultura mapuche y el simbolismo espiritual de sus plantas medicinales autóctonas frente a la industria forestal. En su serie Past-it, Jaakko Kahilaniemi medita alrededor de nuestra relación con otras especies en un mundo que compite por los recursos. The Migrant, obra de Anaïs López, es una historia sobre el significado de ser forastero, de no pertenecer a un lugar concreto o estar desconectado de un mundo donde no se encaja, así como las consecuencias de tratar de sobrevivir en él. Por otro lado, a través de imágenes abstractas o futuristas, Ezio D’Agostino ofrece un viaje visual al espacio capitalista de un futuro cercano.

    Finalmente, los artistas Ali Eslami en False Mirror, Juno Calypso en What to do with a Million Years y Julien Mauve en L’île aux Libellules se sumergen, desde distintos puntos de vista, en narraciones que navegan entre la realidad y la ficción de un mundo potencial.

    Pensar en el futuro desde el presente es una tarea desafiante, pero es aún más complicado adentrarse en un futuro en el que las plataformas tecnológicas creen infraestructuras con capacidad de influir o coartar nuestras vidas de manera no regulada y desenfrenada. La tecnología tiene el potencial de realzar la existencia humana; consecuentemente, debe estar orientada hacia la realización de nuestras metas y objetivos y ser limitada, a su vez, por los valores del ser humano.

    La programación, definida como la alfabetización de la era digital, el desarrollo científico y los avances médicos plantean nuevos desafíos bioéticos frente a las convenciones sociales tradicionales. El modo en el que la sociedad se involucra con la educación y la información, establece relaciones entre sí o elige cómo entretenerse está experimentando un cambio significativo, aunque es demasiado pronto para evaluar íntegramente su impacto.

    De igual forma que la era industrial transformó el concepto del trabajo derivado de la relación entre el cuerpo físico y la máquina, la era digital explora las capacidades ilimitadas de la mente y la creación de redes digitales que podrían superar las capacidades humanas o simplificar procesos intelectuales complejos.

    Pensar en el futuro de la humanidad y reflexionar sobre sus múltiples posibilidades es el tema que el Festival abordará este año. GETXOPHOTO acogerá representaciones visuales que exploren este tema en un sentido amplio, incluyendo narrativas multidisciplinares y diversos lenguajes visuales como fotografía, vídeo, instalación, archivos, documentos, entre otros.

    En definitiva, una nueva edición que, siguiendo la línea discursiva del tema Transiciones iniciada hace dos años, tratará de abordar cuestiones contemporáneas fundamentales.

     

     

    Mónica Allende

    Comisaria independiente, productora cultural y docente, actualmente Monica Allende compagina la dirección artística de GETXOPHOTO con la de Landskrona Foto Festival (Suecia)

    Ha colaborado con la plataforma WeTransfer como consultora creativa y produce proyectos multidisciplinarios con artistas y otras plataformas digitales de todo el mundo. Ha sido, además, directora del Festival Internacional de Fotografía FORMAT (Reino Unido), ha colaborado con Screen Projects y está produciendo y comisariando para Photo London el proyecto multidisciplinar Blues Skies del artista belga Anton Kusters.

    Fue editora gráfica del Sunday Times Magazine, donde puso en marcha la premiada sección de fotografía Spectrum. Es profesora visitante en el London College of Communication e imparte conferencias y talleres en ScreenLab de Londres, EFTI de Madrid, Tashkeil en Arabia Saudí así como el Mentorship Business Programme de la Universidad de Sunderland, el Festival Internacional de Ferrara, talleres de World Press Photo en Angola, talleres de la Agencia Magnum, entre otros.

    Suele proponer a fotógrafos para premios como los de la Deutsche Börse Photography Foundation, el Prix Pictet, la Joop Swart Masterclass / WPP o el Premio FOAM Paul Huf. También ha formado parte de jurados en todo el mundo, incluidos los de World Press Photo, Bar Tur Photobook, Book Dummy Award de La Fabrica / Photo London, el PhMuseum, el Visura, el Taylor Wessing de la National Portrait Gallery, entre muchos otros.

    Ha sido premiada en varias ocasiones: Premio de Amnistía Internacional en la categoría de Fotoperiodismo, Premio de los Editores de Fotografía, el Premio Online de Prensa y Mejor Uso de la Fotografía en los Premios de Diseño Gráfico.

     

  • Artistas
  • Encerrona Vol. 7

    Te vamos a abrir la cabeza

     

    Te vamos a abrir la cabeza. En sentido figurado, claro está. En la edición de 2019 Encerrona va sobre lo que vendrá; será una suerte de ejercicio de futuro. Todo un día, con comida incluida, de charlas, diálogos y presentaciones.

    Este fue el menú que preparamos:


    Programa

    Escenografías de futuro
    Lucía Agirre comisaria del Museo Guggenheim Bilbao
    Jon Uriarte artista y comisario digital de The Photographers’ Gallery, Londres
    José Luis de Vicente comisario de Sónar+D

    El papel del papel
    Ramón Pez director de arte, editor y diseñador
    Garikoitz Fraga editor de Belleza infinita
    Christian Caujolle, comisario y crítico

    Sobre la representación visual del cuerpo femenino
    Juno Calypso fotógrafa inglesa
    Haley Morris-Cafiero fotógrafa estadounidense
    Hannah Watson directora de la TJ Boulting Gallery y Trolley Books

    El renacimiento de nuestra especie
    Neil Harbisson artista y cíborg

     

     

     

    Lucía Aguirre, comisaria de Guggenheim Bilbao Museoa

    Nacida en Getxo en 1970, Lucía Aguirre, comisaria del Museo Guggenheim Bilbao desde el año 2000, ha trabajado tanto en la organización y desarrollo curatorial de la programación artística del Museo —exposiciones temporales y presentaciones de la Colección permanente— como en la formación e investigación en torno a la Colección propia del Museo, colaborando con artistas, comisarios e instituciones a nivel internacional. Es Licenciada en Filosofía y Letras, especialidad en Geografía e Historia, por la Universidad de Deusto; titulada por L’Università Internazionale dell’Arte (UIA) de Florencia en Museología y Crítica de Arte y acreditada por la Región Toscana como Técnico Gestor de Museos y Pinacotecas.

    Jon Uriarte, artista y comisario digital de The Photographers’ Gallery

    Nacido en Hondarribia en 1979, Jon Uriarte estudió Fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya y en el International Center of Photography de Nueva York, además de realizar un máster en Proyectos y Teorías Artísticas por PhotoEspaña y la Universidad Europea de Madrid. Ha expuesto en diversos centros y galerías de arte, tanto en muestras colectivas como individuales, entre los que destacan La Casa Encendida de Madrid, el Koldo Mitxelena de Donostia, el Studio 304 de Nueva York, el centro HBC de Berlín y la Sala d’Art Jove de Barcelona. Fue fundador de Widephoto, plataforma independiente dedicada al comisariado y actividades en torno a la fotografía contemporánea. Además, conceptualizó y coordinó durante 3 años DONE, el proyecto sobre reflexión y creación visual impulsado por Foto Colectania. Actualmente vive en Londres, donde se acaba de incorporar como comisario digital del prestigioso The Photographers’ Gallery.

    José Luis de Vicente, comisario

    Investigador cultural y comisario de exposiciones especializado en cultura, tecnología e innovación. Es comisario de Sónar +D, el congreso de cultura digital del festival Sónar de Barcelona, y desde hace años colaborador habitual del CCCB, donde ha comisariado las exposiciones “Big Bang Data” y “Después del Fin del Mundo”. Ha comisariado para el Manchester International Festival de 2019 el proyecto “Atmospheric Memory” de Rafael Lozano-Hemmer, un gran entorno inmersivo. Sus últimos proyectos son el Festival Tentacular de tecnologías críticas en Matadero Madrid y la próxima edición de Llum BCN, el festival de la luz de Barcelona. Imparte clases en el Institut de Arquitectura Avanzada de Catalunya (IaaC).

    Ramón Pez, director de arte, editor y diseñador

    Nacido en Italia en 1975, Ramón Pez es un galardonado editor, comisario y director creativo que cuenta con 10 años de experiencia en dirección de revistas, creación de libros, diseño de exposiciones e ilustración. Su diseño característico y versátil surge de un enfoque underground orientado hacia la idea de que el diseño es la arquitectura de la narración, donde las historias y estructuras narrativas mezclan diferentes medios. Tiene una amplia experiencia liderando y asesorando a equipos creativos internacionales, además de gestionar la producción de varios proyectos editoriales. Imparte conferencias y dirige talleres en ciudades como Nueva York, Barcelona, ​​Ciudad de México, París, Sarajevo, Buenos Aires o Londres.

    Garikoitz Fraga, editor de Belleza Infinita

    Nacido en Bilbao en 1971, Garikoitz Fraga estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco (UPV/EHU) y Música en el Conservatorio de Bilbao. Como responsable de la editorial Belleza Infinita y la distribuidora Bukinda, se encarga de seleccionar, editar con los autores, distribuir, promocionar y gestionar, lo que le da una visión global de la labor editorial. Belleza Infinitaedita y distribuye publicaciones de género inclasificable que fomentan otras maneras de percibir, expresar y pensar. Sus títulos apuestan por la experimentación e intentan ser obras de arte en sí mismos. Publica tiradas amplias, con precios ajustados al mercado del libro, asequibles durante años en las mejores librerías, tiendas de museos, de cómic, galerías de arte, Internet, entre otras.

    Juno Calypso, fotógrafa inglesa

    Nacida en Londres en 1989, Juno Calypso es una artista que trabaja con fotografía, cine e instalación. Estudió fotografía en el London College of Communication. Su trabajo The Honeymoon ganó un premio internacional del British Journal of Photography. Ha recibido numerosos premios como el Michael Wilson Award 2012, LCC Hotshoe Portfolio Award 2012, el Catlin Art Prize 2013, reGeneration3 2015, BJP International Photography Award 2015, Foam Talent 2016, Creative Review 2017 o el Vic Odden Award del Royal Photography Society 2018.

    Haley Morris-Cafiero, fotógrafa estadounidense

    Nacida en 1976 en Tennessee, Estados Unidos, Haley Morris-Cafiero es licenciada en Fotografía y Cerámica. Finalista de la Beca Fullbright en 2016, realizó un máster en Arte en la Universidad de Arizona. Performer, artista, provocadora y espectadora, explora el acto del reflejo en su fotografía. Su obra ha sido expuesta en Estados Unidos, Reino Unido o Irlanda y publicadas en numerosos medios como Le Monde, New York Magazine o Salon. Fue nominada al Prix Pictet en 2014. Su monografía Wait Watchers fue publicada en 2015 por Magenta Foundation. Es profesora de Fotografía y vive en Belfast.

    Neil Harbisson, artista y cyborg

    Nacido en Gran Bretaña en 1984, Neil Harbisson es conocido por tener una antena implantada en su cráneo y por haber sido reconocido como cyborg por un gobierno. Es co-fundador de la Cyborg Foundation, una organización internacional que apunta a ayudar a los humanos a convertirse en cyborgs, defiende los derechos de los cyborgs y promueve el cyborg-art. También es co-fundador de la Transpecies Society, una asociación que da voz a personas con identidades no humanas, defiende la libertad del auto-diseño y ofrece la creación de nuevos sentidos y nuevo órganos en comunidad.

    Con el apoyo de PICE, de Acción Cultural Española.

     

    Hannah Watson, directora de TJ Boulting Gallery y Trolley Books

    Nacida en Londres en 1980, Hannah Watson es la directora de la galería de arte contemporáneo TJ Boulting y también dirige la editorial independiente Trolley Books. Fundada en 2001, Trolley ha publicado una amplia gama de títulos que presentan historias únicas sobre la fotografía y el arte contemporáneo. La galería TJ Boulting se creó en Fitzrovia, Londres, en 2011. El programa de TJ Boulting apoya y representa a artistas y fotógrafos contemporáneos emergentes tales como Juno Calypso, Maisie Cousins, Boo Saville, Stephanie Quayle y Juliana Cerqueira Leite. Desde 2015, han acogido la exposición individual del ganador del Premio Internacional de la Revista Británica de Fotografía. Hannah Watson completó una licenciatura en Historia del Arte con Estudios de Materiales en la UCL antes de hacer prácticas en la Colección Peggy Guggenheim en Venecia, y luego se unió a Trolley en 2005. Es miembro de la Fundación Fitzrovia Chapel, la capilla secular, Grado II * el antiguo Hospital Middlesex que ahora funciona como espacio de arte para la comunidad, y es miembro del comité del grupo de usuarios de The Photographers’ Gallery Contemporary.

  • Laboratorio


    Kaiola. Documentación experimental en el museo

    A cargo de: Alejandro Acín, IC Visual Lab, Bristol & Julián Barón, fotógrafo
    Invitados especiales: Jon Cazenave, fotógrafo & Maite Jiménez, historiadora

    En colaboración con el Museo Vasco de Bilbao

     

    Durante tres días el Museo Vasco de Bilbao se ha transformado en un estudio de producción en el que los participantes usaron herramientas como la fotografía, la escritura o el dibujo –utilizando la fotocopia como forma básica de reproducción– para acercarse al archivo y las colecciones del museo desde una mirada contemporánea.

    Como resultado de esta documentación experimental en el museo, cada participante ha creado un cuaderno de campo en torno a sus experiencias.

    El laboratorio contó con dos invitados de lujo. Por una parte, Jon Cazenave, quien abordó la temática del “territorio”. Y por otra, Maite Jiménez, historiadora y responsable de fotografía del Museo Vasco, quien nos dió su visión y perspectiva histórica.

    Alejandro Acín es un fotógrafo, diseñador y editor afincado en Bristol (Reino Unido). Su trabajo fotográfico investiga dinámicas de consumo y ambientes comerciales en sociedades capitalistas. Es fundador y director de IC-Visual Lab, una plataforma independiente para la diseminación y producción de fotografía contemporánea a través de ICVL Studio. Anteriormente fue Director Creativo de Photobook Bristol de 2011 a 2013. Desde 2016 es Profesor Asociado en la Universidad de Coventry y el London College of Communication.

    Julián Barón se formó en ingeniería industrial y trabajó como responsable de calidad en una empresa de señalización vial hasta el 2007, cuando deja su puesto y entra a formar parte del Colectivo Blank Paper (Madrid). De 2008 a 2015 asumió el cargo de director y profesor de fotografía en Blank Paper Escuela Castellón, Valencia y Online. En la última década ha desarrollado un cuerpo de trabajo visual que reacciona a un agitado contexto sociopolítico, y que confluye en diversas líneas de acción que conectan su obra -desde diferentes medios y soportes como fotografía, vídeo, collage sonoro, instalaciones o libros- con la docencia y coordinación de proyectos de carácter didáctico. El principal deseo que atraviesa sus proyectos es el de ofrecer nuevos puntos de vista que contribuyan a debilitar la rigidez de la imaginación colectiva contemporánea y cuestionar los discursos oficiales que construyen la memoria, la historia y la identidad a través de las imágenes.

    Jon Cazenave nació en San Sebastián en 1978. Licenciado en Ciencias Económicas y Empresariales por la Universidad de Deusto en 2001. Trabaja desde 2007 en un proyecto de investigación sobre sus raíces llamado ‘Galerna’. Ha participado en festivales como Rencontres d´Arles, Noorderlicht, Photoespaña, TIPF, Encontros da Imagem de Braga eta Tbilisi Photo. Además ha participado en proyectos de creación colectiva: el laboratorio de investigación Horizon y Ixil Ar, un diálogo sostenido sobre la figura de Jorge Oteiza. Hasta ahora ha publicado tres libros: Herri Ixilean, Galerna y Ama Lur.

    Maite Jiménez es historiadora y responsable de fotografía del Museo Vasco. Autora de numerosas publicaciones sobre Eulalia Abaitua, primera fotógrafa vasca.